pincha en la fotografía
Malcolm T. Liepke. Sus pinturas trasladan a los espectadores a épocas pasadas de lugares nocturnos, parejas que permanecen en habitaciones ahumadas y momentos privados íntimos. Aunque atemporal, las imágenes todavía logran conservar un toque distintivo y contemporáneo. La sublime belleza de sus súbditos, a menudo mujeres perdidas en la contemplación, están impregnadas de un sentido de melancolía. Su pincelada gruesa, exuberante y audaz, hacen que el lienzo "respire" con una intensidad que no se encuentra a menudo en el mundo del arte más "antiséptico" de hoy en día. "Miro mi propio mundo y lo pinto", dice Liepke, "pero también quiero que mis pinturas sean en última instancia atemporales. Soy un canal para expresar la condición humana".
La fascinación de Liepke por el mundo del arte comenzó a una edad temprana. Durante su último año de escuela secundaria, se dio cuenta de que ser artista era "lo único que estaba hecho para ser". Así que empacó sus maletas y se mudó de su Minnesota natal y se mudó a California, donde se matriculó en el Art Center College of Design en Pasadena. Pronto se frustró, sin embargo, con el currículo que enfatizaba la abstracción y el arte conceptual. Después de un año y medio, se retiró. "No iban en la dirección que yo quería ir", explicó. "Estaban promoviendo técnicas superficiales y de moda. Quería aprender de los maestros que vi en los museos".
Liepke, que fue y sigue siendo atraído por la obra de los maestros del siglo XIX, hizo precisamente eso. Se dirigió al este, a los mejores museos de Nueva York, donde estudió el trabajo de Sargent, Degas, Toulouse-Lautrec y Vuillard, absorbiendo la técnica y la disciplina mientras desarrollaba una visión única propia.
Desde el principio, Liepke se sintió atraído por la figura. "En realidad no es como otra cosa", explica. "En los paisajes, ciertamente puede haber una gran cantidad de emoción, pero es un tipo diferente y no tan fuerte para mí como mirar la figura. Hay una cualidad atemporal a la pintura figurativa que realmente disfruto. Si miro un Rembrandt, mientras que la ropa es ciertamente diferente, la gente sigue siendo la misma. No han cambiado en cientos de años. El contacto emocional que se obtiene al mirar la cara de alguien es lo que inspira mi trabajo".
En la primera parte de su carrera, Liepke comenzó a trabajar en el mundo de la ilustración y a principios de la década de 1980, se había ganado una reputación galardonada como ilustrador con obras que aparecen en revistas como Time y Forbes. Con el tiempo, Liepke se cansó de la falta de control en términos de materia, y a mediados de los años 80 decidió ponerse por su cuenta y convertirse en un artista a tiempo completo.
El compromiso de Liepke con la pintura figurativa tradicional coincidió con el resurgimiento de la pintura figurativa en general. "Llegué en un buen momento. No fue tan difícil encontrar figuras de pintura de éxito en un estilo realista durante los años 80 como lo habría sido en los años 50 o 60. Artistas como Lucien Freud ayudaron a esculbir algunos caminos, lo que me ayudó enormemente", dice Liepke.
De todos modos, no es que Liepke realmente necesitara ayuda. Desde su primera exposición en 1986, las obras de sus espectáculos se han agotado. Desde Hong Kong hasta Los Angeles y Londres y Nueva York, las obras de Malcolm Liepke son muy buscadas y su audiencia sigue creciendo a pasos agigantados.
Fuente: Arcadia Contemporary
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escultura más sustancial realizada en basalto negro y bronce, y concluyendo con figuras etéreas y ligeras en acero inoxidable y cristal de Murano. Contemplando los extraordinarios desafíos del presente en estos términos, Plensa sostiene, “Incluso después de la noche más larga, la mañana siempre llega”. Ya sea abrazando u oponiéndose a las cualidades intrínsecas de sus materiales, la exhibición de retratos escultóricos de Plensa simboliza el potencial para que la esperanza emerja de un lugar de total oscuridad.
Comenzando esta exposión en Chicago está Minna, un retrato de nueve pies de alto que representa a una mujer joven con los ojos cerrados en estado de reposo. Creado a partir de piedra de basalto oscuro, Minna es la obra más grande del artista en el medio hasta la fecha. Nocturne continúa con una serie de cinco retratos en bronce: Anna, Irma, Laura, Lou y Rui Rui. Dispuestas muy juntas como en un diálogo silencioso, cada cabeza de bronce presenta una superficie de textura única, el resultado de haber sido fundida a partir de los mismos moldes que el artista usa para formar sus figuras de malla de acero. Una vez fundido en bronce, Plensa pinta a mano la superficie de cada obra con una capa de blanco, oscureciendo cuidadosamente el acabado oscuro original mientras aclara los serenos rasgos faciales de sus sujetos.
Las dos obras más grandes de la exposición son las más etéreas de Plensa: alambres de acero inoxidable delicadamente doblados construyen los retratos de Rui Rui y Julia, delineando los rostros de los sujetos de Plensa mientras que al mismo tiempo oscilan dentro y fuera de la legibilidad. Con una profunda conciencia material, Plensa ofrece la ilusión de una forma ingrávida, fabricando y convirtiendo obras que de otro modo serían monumentales en apariciones ligeras y aireadas. A través del retrato, las esculturas de Plensa transmiten la naturaleza transitoria de la condición humana, capturando a sus modelos en un solo momento en el tiempo. Como explica Plensa, “cada vez que hago un retrato, poco después, en cierto modo, la persona ya no existe”. La exposición culmina con Silence, un retrato a escala íntima realizado en cristal de Murano blanco. Llevándose un dedo a los labios en un gesto de quietud, la figura actúa como una coda, concluyendo Nocturne con una nota final de tranquilidad interior.
Fuente: https://www.richardgraygallery.com">![]()
Art Center College of Design en Pasadena. Pronto se frustró, sin embargo, con el currículo que enfatizaba la abstracción y el arte conceptual. Después de un año y medio, se retiró. "No iban en la dirección que yo quería ir", explicó. "Estaban promoviendo técnicas superficiales y de moda. Quería aprender de los maestros que vi en los museos".
Liepke, que fue y sigue siendo atraído por la obra de los maestros del siglo XIX, hizo precisamente eso. Se dirigió al este, a los mejores museos de Nueva York, donde estudió el trabajo de Sargent, Degas, Toulouse-Lautrec y Vuillard, absorbiendo la técnica y la disciplina mientras desarrollaba una visión única propia.
Desde el principio, Liepke se sintió atraído por la figura. "En realidad no es como otra cosa", explica. "En los paisajes, ciertamente puede haber una gran cantidad de emoción, pero es un tipo diferente y no tan fuerte para mí como mirar la figura. Hay una cualidad atemporal a la pintura figurativa que realmente disfruto. Si miro un Rembrandt, mientras que la ropa es ciertamente diferente, la gente sigue siendo la misma. No han cambiado en cientos de años. El contacto emocional que se obtiene al mirar la cara de alguien es lo que inspira mi trabajo".
En la primera parte de su carrera, Liepke comenzó a trabajar en el mundo de la ilustración y a principios de la década de 1980, se había ganado una reputación galardonada como ilustrador con obras que aparecen en revistas como Time y Forbes. Con el tiempo, Liepke se cansó de la falta de control en términos de materia, y a mediados de los años 80 decidió ponerse por su cuenta y convertirse en un artista a tiempo completo.
El compromiso de Liepke con la pintura figurativa tradicional coincidió con el resurgimiento de la pintura figurativa en general. "Llegué en un buen momento. No fue tan difícil encontrar figuras de pintura de éxito en un estilo realista durante los años 80 como lo habría sido en los años 50 o 60. Artistas como Lucien Freud ayudaron a esculbir algunos caminos, lo que me ayudó enormemente", dice Liepke.
De todos modos, no es que Liepke realmente necesitara ayuda. Desde su primera exposición en 1986, las obras de sus espectáculos se han agotado. Desde Hong Kong hasta Los Angeles y Londres y Nueva York, las obras de Malcolm Liepke son muy buscadas y su audiencia sigue creciendo a pasos agigantados.
Fuente: Arcadia Contemporary
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Art Center College of Design en Pasadena. Pronto se frustró, sin embargo, con el currículo que enfatizaba la abstracción y el arte conceptual. Después de un año y medio, se retiró. "No iban en la dirección que yo quería ir", explicó. "Estaban promoviendo técnicas superficiales y de moda. Quería aprender de los maestros que vi en los museos".
Liepke, que fue y sigue siendo atraído por la obra de los maestros del siglo XIX, hizo precisamente eso. Se dirigió al este, a los mejores museos de Nueva York, donde estudió el trabajo de Sargent, Degas, Toulouse-Lautrec y Vuillard, absorbiendo la técnica y la disciplina mientras desarrollaba una visión única propia.
Desde el principio, Liepke se sintió atraído por la figura. "En realidad no es como otra cosa", explica. "En los paisajes, ciertamente puede haber una gran cantidad de emoción, pero es un tipo diferente y no tan fuerte para mí como mirar la figura. Hay una cualidad atemporal a la pintura figurativa que realmente disfruto. Si miro un Rembrandt, mientras que la ropa es ciertamente diferente, la gente sigue siendo la misma. No han cambiado en cientos de años. El contacto emocional que se obtiene al mirar la cara de alguien es lo que inspira mi trabajo".
En la primera parte de su carrera, Liepke comenzó a trabajar en el mundo de la ilustración y a principios de la década de 1980, se había ganado una reputación galardonada como ilustrador con obras que aparecen en revistas como Time y Forbes. Con el tiempo, Liepke se cansó de la falta de control en términos de materia, y a mediados de los años 80 decidió ponerse por su cuenta y convertirse en un artista a tiempo completo.
El compromiso de Liepke con la pintura figurativa tradicional coincidió con el resurgimiento de la pintura figurativa en general. "Llegué en un buen momento. No fue tan difícil encontrar figuras de pintura de éxito en un estilo realista durante los años 80 como lo habría sido en los años 50 o 60. Artistas como Lucien Freud ayudaron a esculbir algunos caminos, lo que me ayudó enormemente", dice Liepke.
De todos modos, no es que Liepke realmente necesitara ayuda. Desde su primera exposición en 1986, las obras de sus espectáculos se han agotado. Desde Hong Kong hasta Los Angeles y Londres y Nueva York, las obras de Malcolm Liepke son muy buscadas y su audiencia sigue creciendo a pasos agigantados.
Fuente: Arcadia Contemporary
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Art Center College of Design en Pasadena. Pronto se frustró, sin embargo, con el currículo que enfatizaba la abstracción y el arte conceptual. Después de un año y medio, se retiró. "No iban en la dirección que yo quería ir", explicó. "Estaban promoviendo técnicas superficiales y de moda. Quería aprender de los maestros que vi en los museos".
Liepke, que fue y sigue siendo atraído por la obra de los maestros del siglo XIX, hizo precisamente eso. Se dirigió al este, a los mejores museos de Nueva York, donde estudió el trabajo de Sargent, Degas, Toulouse-Lautrec y Vuillard, absorbiendo la técnica y la disciplina mientras desarrollaba una visión única propia.
Desde el principio, Liepke se sintió atraído por la figura. "En realidad no es como otra cosa", explica. "En los paisajes, ciertamente puede haber una gran cantidad de emoción, pero es un tipo diferente y no tan fuerte para mí como mirar la figura. Hay una cualidad atemporal a la pintura figurativa que realmente disfruto. Si miro un Rembrandt, mientras que la ropa es ciertamente diferente, la gente sigue siendo la misma. No han cambiado en cientos de años. El contacto emocional que se obtiene al mirar la cara de alguien es lo que inspira mi trabajo".
En la primera parte de su carrera, Liepke comenzó a trabajar en el mundo de la ilustración y a principios de la década de 1980, se había ganado una reputación galardonada como ilustrador con obras que aparecen en revistas como Time y Forbes. Con el tiempo, Liepke se cansó de la falta de control en términos de materia, y a mediados de los años 80 decidió ponerse por su cuenta y convertirse en un artista a tiempo completo.
El compromiso de Liepke con la pintura figurativa tradicional coincidió con el resurgimiento de la pintura figurativa en general. "Llegué en un buen momento. No fue tan difícil encontrar figuras de pintura de éxito en un estilo realista durante los años 80 como lo habría sido en los años 50 o 60. Artistas como Lucien Freud ayudaron a esculbir algunos caminos, lo que me ayudó enormemente", dice Liepke.
De todos modos, no es que Liepke realmente necesitara ayuda. Desde su primera exposición en 1986, las obras de sus espectáculos se han agotado. Desde Hong Kong hasta Los Angeles y Londres y Nueva York, las obras de Malcolm Liepke son muy buscadas y su audiencia sigue creciendo a pasos agigantados.
Fuente: Arcadia Contemporary
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